1、第五章 音乐的种类和主题,第一节 音乐的种类 第二节 音乐的主题,1.了解音乐的划分标准及音乐的主题。,2.掌握不同种类音乐的特点和风格。,音乐的分类方法有很多，不同的标准会有不同的分类，本章的分类没有涉及到很细的音乐形式的划分，比如流行音乐的种类有许多，这里就没有一一列举。这一章所给出的音乐的分类主要是从音乐的表现方法，不同的分类入手，力求宏观上给大家一个认识。音乐和文学不一样，它所表达的主题也许不是那么鲜明，不能让人一眼看穿，如果不是一段标题音乐，可能永远无法知道这一段音乐具体想表达一些什么，它给人们的感觉永远是朦胧、捉摸不透的。音乐的产生与人们的感情是息息相关的，它是以感情为基础和前提的
2、，所以感情理所应当是音乐所努力追求和表现的对象，当然可能这种表现有时给人的感觉是捉摸不透的，但这也从另一点说明音乐有自己特有的表现方式和审美效果。,本章导读,学习目标,3.学会分析不同主题在表现方法上的差异。,音乐的种类,声乐是由人声演唱为主的音乐形式。声乐作品从演唱的形式来看，有如下几类：1.合唱其中又有混声大合唱、无伴奏合唱、女声小合唱、男声小合唱、童声合唱等。2.齐唱常见的有男声齐唱和女声齐唱等。3.重唱其中有男声四重唱、女声二重唱、男女声一重唱等。4.独唱有男声独唱、女声独唱、童声独唱等。声乐作品从演唱风格上看，可分为以下几种：1.美声唱法这是一种以意大利民歌唱法为基础的科学演唱方法，
3、其音色宏亮、透彻，适于表现严肃的、戏剧的、重大的内容。长期以来，演唱艺术歌曲、歌剧、清唱剧等均采用美声唱法。2.民族唱法以本民族传统的民间唱法为基础的演唱方法，如中国各种戏曲的唱法、各种说唱音乐的唱法、民歌唱法、印度民歌的唱法、日本民歌的唱法等，早已形成自己独特的发声、行腔、咬字等方面的理论和规律。,一、声乐和器乐,一首我喜爱的乐曲，所传给我的思想和意义是不能用语言表达的。门德尔松,3.通俗唱法基本上是属于用本嗓演唱的风格。它的风格可以有多种：有抒情风格、民歌风格、乡村音乐风格、校园风格、摇滚风格等。近年来，3种唱法有逐渐靠拢的趋势。帕瓦罗蒂常常与流行歌手一起举办音乐会；各个民族的演唱方法都吸
4、收了一些美声甚至通俗的演唱方法；通俗歌手们由于没有一种统一的演唱方法，并且它的风行时间短，歌曲风格多样化，使得它不得不向美声和民族唱法学习。声乐的伴奏，可以用钢琴、手风琴、小乐队乃至管弦乐队。不同的伴奏的选择，与音乐的性质有关，比如声乐协奏曲应尽量用管弦乐队，小乐队就无法承载如此大的分量；女声小合唱，因为它具有轻巧抒情的性质，所以采用管弦乐队就像大炮打蚊子，不相匹配，用手风琴或钢琴倒是很适合。当然用什么伴奏还要根据现有的条件来安排。欣赏声乐作品的时候，应注意从两方面去欣赏：一是欣赏歌曲的美感方面，其旋律的起伏发展、线条的优美、节奏的铿锵或舒缓、伴奏的配合是否适当等；二是演唱者的表演方面，是否很
5、准确地把握了作品的精髓，音准、节奏、表情等因素是否掌握得恰当。器乐作品是用乐器演奏的音乐。从器乐的演奏形式上来看可以分为：独奏、重奏、齐奏、合奏等，其中根据各种乐器又分为吹、拉、弹、打等几类。从音乐的理解上来看，器乐作品比声乐作品难度大：歌曲有歌词以帮助理解，而器乐最多只有题目可以提示欣赏者，往往这个题目还不说要演奏什么，有时与内容并无很大关系。,声乐作品的旋律与器乐旋律明显不同。声乐作品的旋律音域比较窄，旋律多呈流畅的、气息较长的线条。旋律中具有音阶化，很少有大跳，很多乐器具有宽广的音域和非常方便的演奏技术，如钢琴从低到高有88个音；小提琴常用音域有四个八度；长笛的音域有两个八度。因此器乐的
6、旋律除可演奏歌唱性的旋律外，还可以有跨度很大的跳进和速度很快的短小音符等技巧性线条。各种乐器在发展过程中产生了各自独特的演奏技巧，这些演奏技巧为乐曲意境的表现起到很大的作用，同时也显示了音乐家们聪明的才智和高超的艺术水平。在大型协奏曲的华彩段落，或像练习曲、托卡塔等体裁中都有意地为演奏者炫耀演奏技巧留下很大的空间。 演唱中良好的站立姿势非常重要。正确的站立姿势应该是重心在前半个脚部分，只需考虑上胸部，不用管腹部状态（当然要避免僵硬）。吸气的支点一定要建立在腰部，然后再去体会最后反拉力的作用。腰部需要主动去扩张或向下拉力来产生一个力，此时小腹与横隔膜由于受到腰部支点向下拉的作用，自然会产生一种对
7、抗。如果仅把支点放在前面（小腹），腰部就很难起到控制气息的作用。,单声部音乐是音乐萌生的初始形式。当音乐产生以后，人们起初并没有任何乐器可以利用。人声是最方便、最原始的“乐器”。很长一个历史时期，音乐一直保持着单一声部的形式，甚至一个人歌唱，无伴奏，无伴唱。现在仍有些地区(如我国的陕北、晋西北)存在这种原始、纯朴、无拘无束的演唱方式。虽然后来有了合唱、伴奏，但是音乐的性质还是单声部音乐所有伴奏、伴唱都与主旋律基本保持一致，是大齐奏，大齐唱。中国音乐直到19世纪末，都是基于单线条的思维。这一特点，存在于几乎所有中国传统艺术形式中，但是西方早就发生了变化。9世纪左右，西方音乐就进入了复音音乐时期，
8、各个声部演唱着不同的线条，“奥干奴姆”就是复音音乐的雏形。,二、单声部音乐与多声部音乐,虽然后来有了合唱、伴奏，但是音乐的性质还是单声部音乐所有伴奏、伴唱都与主旋律基本保持一致，是大齐奏，大齐唱。中国音乐直到19世纪末，都是基于单线条的思维。这一特点，存在于几乎所有中国传统艺术形式中，但是西方早就发生了变化。9世纪左右，西方音乐就进入了复音音乐时期，各个声部演唱着不同的线条，“奥干奴姆”就是复音音乐的雏形。当然，这种线条思维经历了漫长的发展阶段才发展成为成熟完善的复调音乐。后来的尼德兰乐派，对位技巧极度复杂、声部空前地增多(沃克该姆的一首“感恩颂”中声部竟然达到36个)，把复调音乐发展到了高峰
9、。声乐是当时主要的、压倒一切的体裁，可以想象到哪怕是十个声部演唱不同节奏的旋律，歌词简直是一团糟，哪个声部都无法听清楚。16世纪，帕列斯特里那对复调音乐进行了改革，他使用了各个声部同节奏的形式，也就是和弦式的织体，这样的织体用以表达庄严一致，抛弃了个人表现的宗教情绪。17世纪，西方音乐的思维发生了根本性的变化，伴随着文艺复兴运动席卷欧洲，歌剧艺术得到了极火的繁荣。在歌剧艺术中，为了寻求古代的简朴风格，建立了主调音乐体系，使旋律彻底地与其他声部分离。这时音乐已经简化为旋律和和声伴奏织体两大部分。18世纪的巴赫、亨德尔、拉摩、斯卡拉蒂直到海顿、莫扎特、贝多芬等人把主调音乐发展到了成熟的地步，功能和
10、声已经成为那个时代音乐的特征。20世纪初，一批有志于振兴中华的年轻人奔赴国外，或去日本，或去资本主义发达的西欧，他们学成归来时不但带回了救国救民的好主张，也把国外音乐文化的精髓引进来了。大小调体系、功能和声包括多声部立体化的音乐思维，着实把我国的音乐思维进行了一番彻头彻尾的改造。,在19世纪末以前，大小调体系统治了西方音乐两百多年。欧洲的中世纪音乐，其音乐的组织是教会调式体系，亦即在自然七声音阶之上，任何音都可以担任主音，所以也称“自然调式体系”。到文艺复兴时期之后，大小调体系渐渐占据上风，成为作曲的基础和依据，巴赫的作品就把大小调的使用推到了前所未有的高峰。在古典乐派的海顿、莫扎特、贝多芬等
11、人和浪漫派的诸多作曲家的不断开拓下，大小调功能和声越来越完善，到了瓦格纳、德彪西以及他们同时代的作曲家手里，频繁不断的转调使得调性中心的存在都成为不可能的事，和声结构越来越难于被简化为某种韵律的格律，和弦的堆砌失去了它的引力，不协和的和弦如减七和弦、九和弦的解决变得没有意义，总而言之，调性和调式日趋瓦解、崩溃，作曲家们日益感到在调性音乐的局限下无路可走，大小调体系终于走向了末途。这个时候，勋伯格创造出了十二音体系。它的出现，促进了有调性音乐的急剧崩溃。勋伯格的十二音体系的原则是：以十二平均律为基础，首先写作出没有重复的十二个音组成的原始音列，其中任何一个音在其他十一个音没有呈示完之前不得出现，
12、然后将这个原始音列进行各种变形作为发展：可以将原始音列移高或移低；也可将原始音列逆行、倒影、倒影逆行以及将它们移位。在这里，没有一个音可以得到强调，没有一个音是主要的，每个音都是在“法律面前人人平等”的原则下进行。其多声部的纵向结合也避讳类似三和弦、七和弦那样的结构，各个声部的碰撞很可能是偶然的，音乐音响的紧张度的控制也不再是以前不协和到协和、不稳定到稳定的进行。,三、有调性音乐与无调性音乐,无调性音乐在20世纪的发展是多种多样的，比如50年代的具体音乐、电子音乐等，其中都受到十二音音乐的多多少少的影响。,为什么歌剧、歌曲听起来比器乐曲容易理解?这是由于歌剧、歌曲有剧本、歌词及其标题的提示。而
13、器乐曲往往没有更多的文学性提示，经常令欣赏者感到束手无策，对音乐的形象和内容没有把握。器乐曲也有容易理解的，如梁山伯与祝英台等，这些乐曲的曲名不同程度地为我们提示了乐曲所要表现的内容和所要描绘的形象，这样的音乐就是标题音乐。有些标题音乐还由作者在乐谱上用文字注上说明，比如伯辽兹的幻想交响曲的副题是一个艺术家生活中的一个插曲，除此之外，还写有一大段文字。,四、标题音乐与无标题音乐,七和弦 七和弦的构成是由四个音按三度叠置而成的一种和弦，其显著特点是根音与最上面的音相距为七度，故名七和弦。 (1)大小七和弦。以大三和弦为基础，根音与七音相距为小七度的和弦称为大小七和弦。它也称为属七和弦。(2)大七
14、和弦。以大三和弦为基础，根音与七音相距为大七度的和弦称为大七和弦。 (3)小七和弦。以小三和弦为基础，根音与七音相距为小七度的和弦称为小七和弦。 (4)减七和弦。以减三和弦为基础，根音与七音相距为减七度的和弦称为减七和弦。 (5)减小七和弦。以减三和弦为基础，根音与七音相距为小七度的和弦称为减小七和弦。它也称为导七和弦。,2018/9/1,标题音乐是浪漫主义音乐的特征，它也是作为无标题音乐的对立面而出现的。就像电影经过了无声电影到有声电影的历史，音乐也经历了从无标题音乐到标题音乐的一个发展过程。西方音乐史上古典乐派以及以前的音乐基本上属无标题音乐，其曲名大多数为大调第交响曲、小调第协奏曲之类的
15、题目。贝多芬于1807年到1808年间所作的田园交响曲开了19世纪标题音乐的先河。伯辽兹继承了这一传统，但是音乐的结构方面没有大的突破。1890年之后，匈牙利作曲家李斯特创造了一种新的体裁交响诗，这种体裁能够允许标题音乐充分地发展，他的思想被后来的许多作曲家追随，并且尝试更加具有描写性、写实性音乐的写作，形成了标题音乐的创作高峰。需要特别提到的是，民族乐派正是标题音乐在不同的民族、国度用以表达民族感情、爱国主义思想和树立民族个性的产物。因而，19世纪末，标题音乐就形成了两大支流：强国(德、奥、法)作曲家的“世界性音乐”和弱国(捷克、挪威、俄国、西班牙、芬兰等)作曲家的以民族风格为特点的“民族音
16、乐”。李斯特说：“标题是加在纯器乐作品之前用通俗的语言写成的前言。作曲家用这种标题来预防听众对自己的作品做出不着边际的任意的解释，事先指出作品的构思，把听众引导到构思中的最主要的因素中去。”标题音乐的内容是多种多样的，它大致可分为两种：描绘性的标题音乐(如音画、音诗)和戏剧性的标题音乐。标题音乐的写作特点可以表述为随着历史的发展从表面(客观)到心理(主观)的描写的发展趋势。很早以前，作曲家基本上是模仿大自然的声音或身体的移动动作等方面；后来情绪和情感通过动作或声音渗透到音乐中来，比如用颤音描写痛苦、用坚定的节奏描写信心、用音阶的下行表达哀伤等；到了浪漫主义时期，作曲家们表现出重内容、轻形式、重
17、主观、轻客观描写的特点，配器法和管弦乐队的完善也使得模仿客观声音的可能性大大增加，雷斯庇基甚至在他的罗马的松树中用录音机播放真正的夜莺的声音。,一般说来，严肃音乐与通俗音乐是相对的两个概念：严肃音乐(或称艺术音乐、古典音乐、高雅音乐等)是具有较深的音乐思想和内容，以及较复杂的音乐作曲、演奏技巧的音乐，它大多用管弦乐队演奏；通俗音乐特指内容浅显易懂、旋律优美动听、节奏清晰明快、规模较小的音乐，其中有用管弦乐队演奏的，有用电声乐队演奏的。这些概念随着时代的变化也在改变。今天听起来节奏缓慢、格调优雅的小步舞曲，在17、18世纪时却被认为有失高雅而不予以接受；有些曾经被认为深奥难懂得音乐，现在由于广泛
18、地流传而变成通俗的音乐。音乐内容和形式经历了从简单到复杂，从通俗到高雅的漫长过程。在人类已经进入高级文明的今天，人们仍然没有摈弃那些浅显的、简单的、通俗的艺术形式，而是深浅相兼、高低并举、雅俗共存。究其原因有三：(1)任何时代、任何国家民族所呈现的文化知识结构，总表现为由低到高、多层次的金字塔形的结构，这里中、低层是大多数。(2)由于人们的环境条件、生活经历、阶级地位、民族状况、社会实践、个性差异、兴趣爱好和物质基础等方面的原因，在选择自己的精神生活方式时具有不同的审美趣味。,曾几何时，严肃音乐与通俗音乐的争论热闹了很长的时间。热爱严肃高雅音乐的人们，对流行音乐嗤之以鼻，不屑一顾；而嗜好摇滚音
19、乐和流行音乐的人们，却又把古典音乐视为古板的、落后于时代、故弄玄虚的东西，不予理睬。其实，这两种观点都失之偏颇。,五、严肃音乐与通俗音乐,(3)通俗音乐本身由于其紧凑的节奏、通俗明了的语言、短小的体裁、强烈的打击乐、新颖的演唱演奏风格等，表现出时代生活的特点，而被年轻人深深地喜欢。通俗音乐，包括歌舞剧选曲、管弦乐小品、器乐独奏小品、影视戏剧音乐、抒情歌曲、舞曲、爵士乐、摇滚乐等。比如斯特劳斯的圆舞曲、詹姆斯拉斯特的轻音乐、克莱德曼的钢琴小品，雅尼的乐队音乐、流行歌星演的各种歌曲等这些音乐容易被人们接受、理解，无疑成为人们辛勤劳动后消除疲劳或茶余饭后陶冶性情的精神调节剂。所以说，无论严肃音乐还是
20、通俗音乐都是人类艺术宝库中的珍宝，根据不同的场合，我们应该选择自己喜欢听的音乐，这是无可厚非的。应该注意的是，音乐作为人们的精神产品，其艺术含金量有高有低，应加以区别，择优欣赏，并且在日积月累中不断提高自己的欣赏水平。,音乐的主题,艺术的真正意义在于使人幸福，使人得到鼓舞和力量。 海顿,一、表达爱情,爱情是人类生活中最美好的事物，各种艺术形式对爱情都有独特的表现形式。在各种艺术形式中，唯有音乐最能打开人们爱情的闸门，将爱情的温暖输送给每一,位听众。雪德奈劳雷的话并不过分，他说“音乐是一种正在寻求语言的爱情”。我国古代的诗经开篇就有“关关雎鸠，在河之洲，窈窕淑女，君子好逑”，这说明几千年前，祖先
21、就已经用诗歌来歌唱人们的真挚爱情了。音乐表现爱情的形式多种多样，内容丰富多彩。18、19世纪欧洲最为流行的小夜曲，就是当时特有的一种表达爱情的音乐体裁。小夜曲起源于欧洲中世纪游吟诗人所唱的爱情歌曲，演唱时用六弦琴等伴奏。每当傍晚，小伙子为了表达自己的爱情，便在姑娘的窗前演唱或演奏优美的小夜曲。音乐中表现的爱情是多种多样的，酸、甜、苦、辣都有，既有喜剧，也有悲剧。音乐中更多表现的是“叹天下有情人难成眷属”的爱情悲剧，这样的音乐最感人肺腑，最能得到人们强烈的感情共鸣。柴可夫斯基的罗密欧与朱丽叶幻想序曲中的爱情主题就是著名的一个例子。我国作曲家何占豪、陈钢的小提琴协奏曲梁山伯与祝英台中的主部主题，也
22、是一个成功的爱情音乐主题，见谱例1。,谱例1,音乐除了可以描写景色、塑造形象外，也可以表现主观的思想意念，而且能够把这些虚幻的概念变为实在的形象，如音乐作品中大量存在的对“命运”的描写。如同诗人一样，作曲家也是对生活非常敏感的群体。人类社会长期的不平等，迫使作曲家们不得不认真思考自己的遭遇和前途，用他们的音乐大声呐喊。音乐中的命运所表现的并非个人的命运，而是关注着整个阶层乃至整个人类的命运。因此，音乐中的“命运”一般具有较强的概括性。历史上音乐表现命运的方法主要有如下几种。(1)正面表现命运，把命运拟人化，作为恶势力，写成阴森、严峻、咄咄逼人的“命运之神”形象。在这样的作品中常有代表命运的特定
23、主题，即“命运主题”。(2)从侧面来描写命运，重点写人们在命运威胁面前的反应，在表现人们与命运搏斗的精神状态的同时，间接地使人感到命运形象的存在。好比舞蹈表演，舞台上并没有敌人，但通过舞蹈演员和各种拼搏动作，使人感觉到敌人就在他身旁。,二、表达命运,(3)既不正面写凶暴的命运，也非侧面写人对命运的反应，主要描绘命运给人们带来的灾难，刻画命运造成的悲剧性气氛。命运交响曲是贝多芬的第五部交响曲，它的第一乐章主部主题就是著名的“命运主题”，其思想性和艺术性也最高，在“命运”的范畴里，至今没有一部作品能够超越这部作品。这部交响曲本来没有标题。传说贝多芬的学生辛德勒有一次问起这部交响曲的内容，贝多芬在琴
24、上弹了这几个音，并说：“这是命运之神在叩门。”于是这几个音就被后人称为“命运主题”，而这部作品也称为“命运交响曲”。贝多芬的命运交响曲体现了通过斗争取得胜利、冲破黑暗走向光明的主题思想。贝多芬的命运交响曲是音乐会上演出最多的作品之一，其命运主题已经成为音乐中特定的“语汇”，被很多作曲家的作品引用。谱例2,一年中最美好的季节是春天，它象征着人生最美好的时光。春天，总是古今中外的艺术家们最喜爱的主题，音乐家们也不例外，他们写出最优美的音乐来歌唱春天。 在历代音乐作品中，有无数首歌颂春天的乐曲，但是由于时代的不同，具体创作方法的不同，各人感受的区别，因而各个不同的流派、不同的作曲家所描写的春天都不太
25、相同，各有千秋。总的来说，古典乐派作品中的春天大多数反映人们在大自然中对春天的感受，所描写的并不是客观的春天景象，而是人们对春天的感受。贝多芬的著名作品F大调小提琴奏鸣曲春，是他十首小提琴奏鸣曲中最受欢迎的一首，也是古典作品中表现春天的最佳范例。乐曲中表现的春天，几乎没有什么写景的因素。主要表现了年轻的贝多芬对春天的感受，充满了蓬勃的朝气和乐观的情绪。 18世纪意大利作曲家维瓦尔第的小提琴协奏曲春第一乐章，是很早描写春天的一首乐曲。全曲结构严谨、风格朴实，不断出现的回旋曲主题，表现了人们迎接大地回春时的高兴心情：,三、歌唱春天,谱例3,浪漫主义时期的作曲家所描写的春天，加强了细致的心理刻画，同
26、时由于受标题音乐的影响，还加强了音乐的造型性。令听众在感受到春天的气息同时，还能引起对大自然春天的联想。当这些浪漫主义作曲家描绘春天景色的伴奏背景时，就有意地描写春天的自然现象，或者在伴奏中描写泉水淙淙、流水潺潺；或者在伴奏中出现蜜蜂嗡嗡、鸟声嗷啾；或者在伴奏中刻画春风荡漾、垂柳飘拂。而在印象主义音乐中描写的春天，则是另外一种面貌。因为印象主义的宗旨在于摆脱浪漫主义的主观情感的表现，注重对自然界光和色彩的描绘，而且对风花雪月一类的景物有特殊的癖好，所以对春天的题材特别钟情。例如印象主义音乐的创始人德彪西就写过春天大合唱、管弦乐春天组曲、春天回旋曲等。,我国音乐爱好者非常熟悉的是由彭修文整理、改
27、编、重新配器的中国名曲春江花月夜。音乐形象鲜明、通俗易懂，其标题中提到了五种景物，即春天、江河、花朵、月亮、夜晚。但是这首乐曲中并没有多少写景的成分，主要还是通过优美如歌的旋律，丰富多样的节奏，细腻地刻画人们在月夜春江的迷人景色里悠然自得的情趣。,在嘈杂热闹、拥挤不堪的城市里生活，有时到乡间去体味一下田园风光，开阔压抑的胸怀，那是一种非常惬意的事。那么，通过音乐来欣赏田园风光，不仅与实地感受有异曲同工之妙，而且更有一番新意。这是因为音乐里包含了世界各地的田园风光，而且还有作曲家的独特感受，对欣赏者会有许多启发。写田园的音乐很多，作为一种音乐体裁，田园音乐最早产生于意大利南部的西西里岛，到现在已
28、经有数百年的历史。它是表现牧人生活、乡村情景的一种乐曲。当初是世俗的歌唱的声乐曲，到后来渐渐发展成为用于宗教圣诞、由器乐演奏的田园曲。这种体裁在17、18世纪时在欧洲广泛流传，并且得到了深入的发展。,四、描写田园风光,田园曲的明显体裁特征是：速度中等，节拍为68或128拍，旋律流畅，采用朴素的自然音体系，有的甚至有明显的五声性特点。伴奏的低音部用持续长音(常用双重或二重持续长音)来模仿牧人风笛。为取得牧笛的效果，主旋律通常由木管乐器演奏，大多是长笛或双簧管。 牧歌也属于田园音乐的一种。卡门第一组曲中的第三首“间奏曲”就是一首牧歌式的乐曲，表现了田园风光。其实牧歌原来是与田园曲不同的。14世纪时
29、是古代意大利表现爱情或自然景物的独唱曲。到16世纪时发展成为复调性质的无伴奏合唱曲。 后来渐渐由器乐来演奏。并流传到英、法、德、西班牙这些国家。到17世纪之后，这些类型的牧歌逐渐消失。 贝多芬田园交响曲是描写田园风光音乐的巅峰之作，它使得其他一切同类作品顿时黯然失色。甚至当几百年之后，美国作曲家麦克费1958年创作的描写田园的第二交响曲，没有勇气以“田园交响曲”来命名。他说：“我不愿以田园交响曲命名，因为这是贝多芬所独有的。这样就决定以田园名之。”,描写田园的音乐在不同时期也有不同的特点。古典乐派时期，正是资产阶级革命上升时期，人们对前途充满乐观情绪，人们心里，自然界也是一片郁郁葱葱、欣欣向荣
30、，作曲家所写的田园景色就表达了人们的愉悦。而浪漫派作曲家们由于对现实不满，常常把田园作为远离社会、逃避现实的“避难所”，那么，他们就把田园描写成美丽的“世外桃源”。,1.早晨 如同四季中的春天一样，早晨也是音乐家们乐于表现的内容。音乐中描写早晨古已有之，但是大量地出现还是浪漫派以后的事情。这是由于浪漫主义艺术家不满现实，愤世嫉俗，离开社会题材转向更多地反映自然现象，故描写早晨的音乐层见叠出、大量涌现，但这一时期描写早晨的音乐大多有音画的性质，所以一般出现在组曲类型的体裁，尤其是组曲的第一乐章中。挪威作曲家格里格培尔金特第一组曲第一乐章朝景；美国作曲家格罗菲的音画交响组曲大峡谷第一乐章日出都是这
31、方面的杰出代表。黑格尔也说：“如果我们一般把美的领域中的活动看做一种灵魂的解放，而摆脱一切压抑和限制的过程那么，把这种自由推向最高峰的就是音乐了。”音乐中描写早晨的手法，可以归纳为以下几种常见的情况。,五、描绘早晨和月夜,（1）利用早晨鸟鸣的声音形象。 （2）利用雄鸡报晓的声音形象。 （3）利用钟声的声音形象。 （4）利用乡村牧笛的声音形象。 （5）利用自然界的其他声音形象。 音乐中表现太阳由低向高冉冉升起、光芒四射，音乐的音量由弱渐强，不断增长，音乐的音区也往往由低向高不断地向上发展，配器音色与和声色彩由淡变浓，由暗变亮。因为早晨在时间上是一个由暗变亮，光线不断增强的过程，体现出色彩的变化，
32、这一题材当然就为热衷于和声色彩变化的印象派作曲家所青睐。 美国作曲家格罗菲的组曲大峡谷第一乐章日出，它以持续全乐章的定音鼓柔和的滚奏开始了全曲，这沉闷的音响，展现出了黎明前漆黑的地平线上一片沉寂的荒野。短笛呼唤性的音调和尖锐的颤音，伴随着乐队音响的不断增长，仿佛展示出绚丽的阳光驱走了黑暗，朝日喷薄而出，把光辉洒满了大地，宣告了大峡谷新的一天的开始。,2.月夜 如同四季中的春天一样，月夜也是音乐家们乐于表现的内容。我国民间音乐家阿炳的二胡独奏曲二泉映月，从题目上看是描写月夜景色的。关于这首乐曲的内容，有人说它是写无锡惠山天下第二泉中映照的月亮，也有人说它是抒发个人感情的，与月亮无关，还有人说既写
33、了月亮，又抒发了情感。 其实，二泉映月的标题，只是一种虚构，并无实意。二泉映月只是用标题来使听众联想到夜深人静、月色朦胧的背景，从而更好地理解乐曲的主要内容：一个饱经风霜的老艺人对他坎坷一生的辛酸叙述。 描写月光的音乐在写法上有很多相似的地方，按照它们的情绪特征来说，这些音乐一般都比较宁静，在感情上没有什么大起大落的变化，愉快时并不显得兴高采烈，忧愁时也没到悲恸哀伤的程度。从音区上来说，这些音乐大多位于高音区，用一些高音乐器如竖琴、钢琴、钢片琴等来描绘月色朦胧的效果。节奏通常比较平稳悠长、速度略慢。其旋律富有歌唱性，和声柔和而有色彩性。 法国印象派作曲家德彪西写过若干首与月亮有关的作品，其中月
34、光是最为著名的一首。这首作品虽然是他早期的作品，浪漫主义的色彩比较浓厚，但听得出曲中已经显露出了印象主义的某些特征。它的旋律精美绝伦，节奏丰富多样，和声色彩的变化更是细腻无比，描绘出一副美妙绝伦的画面：在银白色的月光照耀下，夜色迷迷茫茫，景物朦朦胧胧，大地一片寂静。,2018/9/1,通过本章的学习，大家一定对各种音乐形式有了一定的了解，要知道音乐形式本身并没有高低贵贱之分，每一种音乐都有自己独特的特点和优势，有它存在的空间和意义，在实际鉴赏学习中，大家可以根据各自的爱好选择自己喜爱的音乐，当然也只有从宏观上把握了各种音乐的表现方式和表现风格，我们才能更加全面的了解我们自己钟情的音乐。正所谓“
35、操千曲而后晓声，观千剑而后识器”。,本章小结,徜徉在古典音乐的浩瀚海洋中，维瓦尔第的小提琴协奏曲四季（The Four Seasons）相当富有传奇色彩。虽然四季的问世距今已近两个世纪，但显然超越了时空和国界，至今仍然普遍受到人们的喜爱。作为巴洛克时代的音乐作品，四季是现今音乐厅最受欢迎的小提琴作品之一，同时，也是CD市场上录制率最高的古典音乐作品，可以毫不夸张地说，四季已经成为古典音乐中的“流行音乐”。,四季恋歌维瓦尔第的四季,不过，四季被尘封一个世纪后再次被发掘而重获新生的典故就未必为人所熟知了。其实，在20世纪40年代以前的一个世纪中，四季渐渐地被人们所淡忘，淹没在浩瀚的古典音乐作品的海
36、洋之中，并不像现在这样广为人知和被频繁演奏，四季的重焕光明应当归功于20世纪中期挖掘历史音乐作品的音乐家和现代录音工业。很多巴洛克时期、古典主义前期的作品，都是在20世纪中期发掘和整理而重新呈现在我们面前的。第二次世界大战后，当时由明欣格担任指挥的德国斯图加特室内乐团则是这个方面一个积极的探索者，早在1949年，斯图加特室内乐团率先进行了维瓦尔第四季小提琴协奏曲第二乐章和第三乐章的录音，1951年完成了四季全曲的录制。这个四季的全曲录音，可以说是世界上最早的四季全曲录音版本了，四季今天可以成为脍炙人口的古典名曲，明欣格的斯图加特室内乐团可以记上头功。随着唱片和录音带的迅速流行和普及，特别是20
37、世纪80年代以后CD的问世，四季已是家喻户晓的古典名曲了，更是古典乐迷的必听入门曲目。 维瓦尔第的音乐才能是家族的音乐传统沿袭下来的，他的父亲是当时远近闻名的小提琴家。维瓦尔第自幼习琴，后来担任过小提琴教师和音乐总监，凭着辉煌高超的小提琴技艺赢得了极高的声誉，加上他长着一头火一般的红发，人们尊称他为“红发神父”。,他的一生正处于欧洲巴洛克艺术鼎盛的时期，即使在那个音乐作品汗牛充栋的年代，维瓦尔第也属于最多产和影响最大的作曲家之一，给后人留下了650多首各种类型的乐曲，其中协奏曲有450多首，由于特别钟爱小提琴，光是小提琴协奏曲就有221首。他的作品富有意大利人特有的热情和歌唱情趣，不仅得到意大
38、利同胞的喜爱，而且在国际上也备受欢迎，甚至得到了同时代德国著名音乐家巴赫的关注，巴赫曾专门研究和吸收维瓦尔第音乐的特点，改编了一些维瓦尔第的作品来拓展自己的音乐风格。 在维瓦尔第的协奏曲作品中，四季无疑是最出色的一套，也是小提琴协奏曲中不多见的加有标题的曲子。实际上，四季只是维瓦尔第于1725年发表并题献给一位波希米亚伯爵的，以和声与创意的尝试的一套12首大型协奏曲中的前四首，分别赋上了“春”“夏”“秋”“冬”的标题，而且在这四首作品的每一首总谱扉页上，相应地配上应该出自他本人手笔的拉丁文14行诗，这与西方当时流行的“艺术模仿自然”的传统思潮相符合。维瓦尔第试图通过乐谱和描述自然的诗句相结合，
39、把音乐描绘自然的能力大大拓展，提升到一个相当高的境界。另一方面，从乐曲的结构和形式来看，四季由4首小提琴协奏曲构成，每首都是采用“快-慢-快”3个乐章的标准形式，而且除冬之外的快板章节，都采用了Ritornello的反复曲式，所以，即使没有标题和诗句文字的辅助，维瓦尔第细致入微的细腻音乐刻画，已经使四季的美和魅力浮现眼前。譬如在冬的第二乐章，优美的小提琴独奏描绘出人们围着火炉烤火的温馨景象，弦乐以十六分音符拨弦代表屋外的雨声，大提琴则以三十二分音符描绘远方出来的雷声，屋内的温情四溢与屋外的寒冷冰凉形成鲜明对比。 因此，对于在调性、节奏、和声方面变化幅度不大的巴洛克时期音乐中，维瓦尔第的四季能够描绘出丰富的音乐表情和景象，称得上是音乐史上描述具体感性自然景象与抽象理性规则形式完美结合的典范之作。,
