1、西方现当代美术史讲义-梁磊（2012 年 3 月）第一讲：2.21 ；现当代的时间段：19 世纪中期至今。资本主义革命-浪漫主义，代表人物：德拉克洛瓦。马克思批判前资本主义人权界点。印象派：淡化轮廓，形象。代表：莫奈、西斯莱、毕沙罗、马奈（女权主义者） 。现代艺术的开端-塞尚。认为绘画的主宰是绘画者，而非对象。高更象征派，梵高 表现主义。反叛前资本主义道德，艺术源于生活，是人心底的感知，并不是呈现生活。艺术是雕琢幸福、痛苦和生命。大工业时期的钢铁业是资本主义初期繁荣的标志。中产阶级形成导致资本主义形成。建筑满足了中产阶级的需求，资本主义简约时代出现。罗丹=欧洲著名雕塑家地狱之门遗作。马约尔受简
2、约主义影响， 地中海人健康结实有力的人体。杜米埃的漫画式雕塑，成为漫画先驱。第二讲：2.28 ；雷若阿，克里姆特，装饰艺术用各种肌理纹样构成画面。恩索尔 对资本主义的回溯，假面 各种表现主义的虚假，调侃风格。蒙克 温暖趋向残酷卢梭 童真派艺术的开端。影响后来的涂雷。维亚尔，在印象派后期，强调画面由装饰性强的色块、线条、色点、肌理构成。克里姆特 奥地利画家，作品吸收古埃及、古希腊及中世纪诸要素，将强调轮廓线的面和古典主义镶嵌画的平面结合起来，创造出一种独特的，富有感染力的绘画样式。他把亚述、希腊和拜占庭镶嵌画的装饰趣味引入绘画中，用孔雀羽毛、螺丝、金银箔片、蜗牛壳的花纹、色彩或光泽。创造了一种“
3、画出来的镶嵌”绘画，使作品中的绘画和工艺性达到了极点。第三讲：3.6-东 B503第三章 二十世纪早期 的绘画马蒂斯与野兽派建立与外界封闭的环境。前期的风景画-塞尚倾向较多，但不成熟，没有脱离原来印象派构图方式与表现特征。马蒂斯认为：画画是我的喜好，不是对象来定。如他大量使用红色，使得常规透视和虚拟三维空间被打破，构成纯粹的二维画面。营造了画面的空间比例关系：只需解决点、线、面。打破了以前的审美标准，建立了自己的系统。儿童绘画与成人绘画的区别：成人会画成一个完整的系统，建立一个标准，可向人清晰的表达。色彩的对应、比例、空间大小关系成为画面的构成关系。马蒂斯抛弃了三维空间的构成系统，组成大量应接
4、不暇的量，如用弯曲的线构成图案“红色的和谐” 。作画的动机形成组合与关爱。马蒂斯的画有高更的影子：高更已想到用自己喜好的颜色来作画，同时也注意到色块。马蒂斯开创用剪纸拼花面=成为构成主义先驱。“直到哪儿去？要到何处？”点的简略，色彩的产生=艺术家塞尚-色彩是独立研究的，至此现实主义才真正开始。毕加索与立体主义毕加索受勃拉克影响很深，一战结束时曾与马蒂斯见过面。当时在巴黎能否雇请模特儿是艺术家的标准。自毕加索开始玩弄观众的眼睛：建立从静物对象的多方位、可方面的观察系统。毕加索很多画如同猜谜游戏，他受马蒂斯的影响：会把不喜欢的对象消融掉，并保有物体本身的质感，把画面简单分成几个颜色如明暗，还简单使
5、用了印象派的光色原理。勃拉克受印象派的影响大，画面饱和度差，形成的体积和空间有局限性。如“捕鱼”受塞尚影响大，多了对物体的整体观察即全象观察，把捕鱼船的所有元素进行拆分。毕加索的立体主义倾向来源于勃拉克，但毕加索来源于没落的富家子弟，有更高的天空。其画面的组成部分不再是绘画，而是原有的实物，将立体派引向深入。一战后，艺术家成为新兴的团体-画廊开始繁荣，电影也走向繁荣。一战前的电影是马戏团式的流浪艺术，一战后出现了影院的固定放映场所。照相机的出现更是对绘画形成巨大的冲击：画家难于超越照片的真实，使得画家不得不回避真实，企图另辟蹊径，画面不理会对象的真实，全讲颜色。马奈尔-按照所见的喜好来画对象，
6、有优雅与自我的表现，其目的是脱离照片的影响，这时期的毕加索和马蒂斯成为此期的代表；米罗与达利二人是一战后最特别的人，此期一些有名的建筑产生，工业类型的转化、燃料的转化：石油与电力的运用，造成英国曼彻斯特港的荒芜，此期的艺术思想也同样处于更新换代。毕加索作品的分期：蓝色时期：此期用简略方式绘画，作画能力强，造型准确，会使用显著的蓝色。画面常出现的人物是“小丑” 。是有钱人的眼光看辛苦的艺人。出现了向征主义，是对理解与否的一种嘲讽。毕加索的蓝色时期作品画面唯美，蓝色多，人物成人形。在他的蓝色成熟时期显得迷茫，由此开创了另一个新的时期：小丑成为长期画面的主题与讽喻的向征。同期的勃拉克画面里还有光影。
7、立体主义时期：毕加索与勃拉克共同创立立体主义，原因是不愿再为光影费神，使画面简单而清晰，成为纯颜色的组织，画面越趋简明，可保留人的固有形态。非常简单而自我，无透视感的大小区分。此期画面中的人成为画面的一个装饰元素，不像人形。自立体派初期之后，一个真正毕加索得以出现。思想改变是艺术改变的根本，在形式画中的体现，将立体派引向更自我。 此期的画面中常出现“牛与马 ”向征了男性与动力（宙斯变公牛） ，使画面有神一般的力量。西班牙革命的开始另类的公牛。牛头成为暴力的践踏者，马则分割人体成残肢，表达了画家的愤怒与哀泣。这时期，美女与小丑又一次出现，以歌舞升平。毕加索用简约、委婉的线条使人们在视觉中找到一遍
8、净土。非洲时期：（二战时期）是持续归隐或创作时期。出现大量用拙劣的应付画作以糊弄纳粹。但其块面仍是完整的。二战也成就了毕加索-和平鸽粉色时期： 画作色彩完美而优雅。此期出现了大量好作品。不追求作品的奇异，而追求清新。画面干净、轻柔而唯美，重体积。对象是非现实如梦幻般。达利“永恒的时间” ，达利对其作品的商业运作能力远超毕加索，他画了大量的商业画，还为自己的作品开发延伸产业。后期的毕加索深感疲惫，画了大量的素描手稿，多达 3600 多张。毕加索作品的意义：毕加索开启了我们的思维，意识到画面可以平分、对象可以拆解、拼贴。他做了一系列的探索，如版画和雕塑。毕加索对观察方式的变革。 他超越了之前所有艺
9、术家与艺术形式，对象是空间存在的全部，是对象存在的所有环境与空间，后期还包含有某些精神。虽有一定局限，如表现有限空间的存在，其对象可是一个房屋或某个面，但他为局限打开了一个重要的缺口：如在对象前加一个网格，通过一个点来看一组静物。通过镜子来看画的对象是否一致（古典主义艺术家的作画方式） 。毕加索画中幕布消失，出现空间概念，即“自由观察”的概念。使得对象与社会环境的联系（达达主义） 。对象在的时间、空间的呈现，对象存在社会性。解构和重构。 解构来自于毕加索的拆分，按照需求对画面进行组合。但其解构是对固有特征进行总结与概括，是重要的装饰手段。如对女性眼睛的细致刻画。毕加索的解构不愿丢掉任何东西，画
10、面还有一定的形体仅是变形。解构而非“解散” 。重在“重组”上，画面一直保留唯美的思维，即使重组也很完美与细腻，不致过分解构。毕加索的作品大多以细腻著称，是心理的唯美感光，而非外部的呈现。象征主义的延伸。 A 、小丑：其态度是对生活的情趣刻画，而非对劳动人民的同情，是以猎奇的心态作画。B 、公牛与马：公牛是力量和男性的象征，马是耐力的代表；C、女人体：在后来变为象征的符号而非写实，原因是在心里变化上：世界上唯有的母体。画面不再出现男性。仅是生命云集的代表或叫母性代表，到其棕色时期，笔触细腻，是尊重对象的直观表现的唯美。当女性出现象征意义时正是达利对其影响的时期，还影响到艺术史中的其他形式。D、现
11、成品的运用。 （自勃拉克始） 跨越二战即成熟，不再以绘画的方式来做，使艺术突出了雕塑的特有模式，走向其他，依附于平面而进行创作。E、扩展性延伸。 （毕加索、米罗、马蒂斯） 为许多歌舞剧设置舞台布景与服装。开此先河的是马蒂斯，艺术由此开始了可怕的实践即艺术民主，使得艺术没有评判标准，艺术走向民间是有一定意义，但艺术应该有一定的标准，否则，艺术将整体崩塌。第四讲 二十世纪艺术 3.13布朗库西是一个开新气象的艺术家，开创了现代艺术中的唯美主义。选择性的寻找唯美的所在，预示着对美的极致的推荐。没在何处？如何表现？布朗库西开始简化图像以找美的所在。用流畅而完美的曲线，隐藏局部，寻找一种坚实，仅留下唯美
12、的部分，毫不犹豫的去掉影响唯美的成分（如头发） 。简化到符号。 去掉人形，把人的身体简化为细胞，核心是保留曲线带来的无限美感。他摧毁了以往对人体的画面表现（罗丹） ，向漫画迈进。贡献： 融合了东西方艺术，赋予材料人性。材料如同生命，让其体现生命。使人感到亲切与细腻。导致简约之风风靡世界，艾菲尔、莱特等大家成为艺术的主流。此时的建筑、雕塑都提出了唯美的标准，都一致同意简化如莱特的直线建筑与布朗库西的曲线式建筑形成强烈对比。直线易分割，其建筑显得线条干净、减掉了繁复的堆砌，让人感到清新。凸显现代感，影响至今。 （北京中国美术馆属模仿莱特的建筑，济南科学馆也是莱特建筑典型，可惜几年前被强拆）在莱特之
13、后，建筑的简化成为历史主流，去掉了装饰性，增加实用功能，使得边线完美而坚实。由此也产生了一些问题：建筑审美何处去？建筑如同高墙壁垒，外观与监狱类似，要求建筑应产生线条的变化。曲线让人感到温暖，而直线使人感到落寞。这就在艺术界产生了 2 个问题：“美” 可以简化成什么？；曲直之争。布朗库西的曲线来源于非洲，但线条更为完美（我国汉代的雕塑也经历过简约-中外简约图对比）：自然中海螺的曲线-美在于弯曲的弧度！在中国建筑中用曲线的地方很少。“简化”至此成为所有艺术的风潮，把美都归集到某些点上。米罗借明暗线条和色块组成画面，用颜色去表现色块，不断地填补颜色。米罗的画在简化中赋予情趣和向征意义。如三只眼睛、
14、牙齿、天使。美丑的区别在于似乎合乎常理。米罗开创用孩童的眼光来作画，极富童趣。其画不仅简化画面，也净化人的心灵。把观众带回到孩童时代。如用方格构成的房子。米罗的画是心灵没有猜忌的纯洁之作，甚至谈不上绘画技巧，作品中甚至出现喜好、厌恶之人。蒙蒂尼阿里所追求的完美与布朗库西有区别，他画作简化的程度不一样，要繁复的多。保罗、克利将对象简化到只有线（多用直线）和色彩，而色彩很丰富。米罗的画首先给人的是心灵上的简化为纯洁，画面简化为简单的色彩与线条（多用曲线） 。后期画面中不再有妖、天使等，仅有天空。简化的时尚还影响到服饰与装饰。米罗前期的画也很复杂，经过巨大的心理变化后，其画作变得简化-是对具体对象的
15、简化而非抽象（抽象是来源于简化的） 。简化使画面表现更明确，使主要元素更加清晰，而不受其它元素影响。抽象是色彩、色块与空间的幻想。抽象的由来表现主义的出现：高更与蒂斯带来自由（画面与色彩） ，提出了画面色彩的精神上的自由。立体主义：提供了分解对象为细小的分块，提供了视觉上的自由。有了表现主义和立体主义两部分的滋养，图像才能更为纯粹。由此产生在当代、现在及今后都出现的问题-“独特性产生后，余下一些什么？”or：“为什么而独特？”为什么要这样做，其根本是什么？简化主义试图在寻找答案。首先是“回归本源”的问题。最早由米罗提出：孩童为什么作画？我们应照此画-回到作画的原始动机。回到作画的原始状态则会有
16、绘画的兴趣，技巧变得不重要。 “如果是一个工匠，应清楚自己来干什么？清楚自己要干什么？而工具是水到渠成的事。 ”其次，回归唯美。以布朗库西为代表：唯美是绘画的目的，艺术是为了找到我们心中的唯美。这也是艺术本体论，艺术若无标准则是一遍混乱。艺术发展到简化主义后并没有停止，而是接踵而至的抽象艺术。布朗库西是一个横跨表现主义、立体主义和简约派的艺术家。抽象派作品的画面从“像”退出转出去创造一个新的画面。抽象派的特点是：将对象先简化，再把“像”给予转化，成为最为明确的图像。第五讲 抽象主义 3.20抽象主义的诞生作为基础课的美术史，要知道历史上发生了什么事，是如何由来的。抽象艺术是艺术中最重要的概念。
17、当艺术史上把个人意识作为艺术来呈现时，抽象便产生了。所谓的抽象即是“从像里抽离出” ，所要表达的是：抽出了什么？从哪里抽出？还原成了什么？可从现象、表现、宇宙大观（相）中抽出各艺术家的选择点，或还原成什么？从哪里抽是抽离的基础，是哲学的现象与表现，内在规律、原则等更多内容。抽出什么？前提是与“像”有本质区别；还原成什么？还原与前期的抽离活动有关联性。如从山中抽出断层、地貌等，并总结出地质特征，推导出低质形成年代。所以，抽象是首先提出我愿怎么做，做什么？是艺术家的思维，哲学家想的更远，成为革命意识的体现。抽象是先做简化，到最后剩下些什么。而非从外面抽离出完全不同的东西。康定斯基：“最后剩下色彩，
18、构成或作家本人的趣味” ，是“像”被微观化了。即简单概念化，还没有脱离“像” ，还是皮肤，而非血液、氨基酸。 。 。 。 。抽象至何处的讨论长达百年之久。康定斯基的抽象分类康定斯基是与毕加索同时代的艺术家，它的作品经历过具象与简化时期，早期作品受表现主义和立体主义影响。1、轮廓和形状消失，只有独立而存在的色彩。西方古典主义认为最美的是“圆” ，因它没有瑕疵与棱角，代表了美学的观念。康定斯基成功地从表现中抽出一种观念，确定唯美意识。他最成功的还是色彩，他认为色彩课不依赖与形体，画中有仿佛不带任何含义的色彩，哲学家认为色彩不是来源于对象，是对象的一个部分或因素，是来源于我心里上的“感知” 。感知是
19、什么？=“情绪” 。哲学家认为情绪也是对象，是内在的，非外在的。哲学家与艺术家经过近 20 年的交锋与反思才有所结果。2、以“情绪”作为结果的表达还原方式成为抽象主义的一个重要派别= 抽象表现主义。康定斯基不再回答对象是什么，但其画中仍在还原成“像” ，形状是表现美的东西。虽然，康定斯基带来了一个流派，但这并非抽象派的成功，最终还是从抽象中走出去了，还原到可识别的图像。马列维奇马列维奇把图像再简化为单元，继续沿着康定斯基创立的抽象主义路线走下去，简化至既唯美又简单。既然“形”不在担心时，将一块彩色还原成一个简单的东西，形成一个短暂的唯美而引发很多东西，形成了“极简主义” 。到此时，艺术家才基本
20、解决了抽象主义与哲学家的争锋：艺术不需要还原成“像” ，可以成为最简明的对象，形成一系列的艺术思想。蒙德里安-抽象中的延伸蒙德里安冷静地看待着抽象主义的发展经历，从抽象简化色彩到用理性的方式形成作品。如方形色块的对比。一张图真的需要意义吗？蒙的回答是“不需要” ，只要合理且美丽即可。他将画面变成了异常规整形状的色彩，成为一种需求平衡的关系。即理性的平衡。将画面彼此的关系协调到最好。蒙德里安的理性到可以用尺子去比例，仪器测试物体的反射率，甚至用公式去套（古希腊1 ：1.625 的黄金分割点） 。这是欧洲理性化的传统，他的画已彻底不能还原成对象了。抽象至此慢慢转化成熟，但艺术强调活力，如此冷静的东
21、西难以体现“活力” 。由此产生了表达善意与美好的争论。为了证明自己的画是“美好” ，他将自己的艺术作品放到生活中去，成为生活艺术的一个手段。产生了实验的后果，如板式家具的出现，催生了一系列适用艺术细胞的发展。故蒙德里安的作品不尽是“善”的。它的作品被视为采用色彩分割、合成新作品，即“构成主义” 。他的实用主义艺术意义课前，直接影响到今天的直观的设计领域。因此，蒙德里安也被尊称为“现代设计之父” 。他把空间、构成分割开来，使繁复的东西简明、平面化。如“宜家”的用简明的构成拼接成各类复杂的家具。这种艺术的平民化（资本主义的代表） ，很容易扩散到平民阶层。至此，艺术并非高挂在画廊的艺术品，而成为平面
22、日常使用的工具，艺术走到了人们的身边。经过艺术的创新品创造了艺术走入民间的手段，才是蒙德里安的重要意义=先锋艺术。从蒙德里安以后，艺术家与设计师的二者开始融合，社会地位得以平等，使工匠成为设计师，身份获得巨大提升。因此，这是蒙德里安带来的新变化：工匠= 艺术家，只要能创造自己作品的都是艺术家。以冷静的理性思维为基础的作品呈现相对规则化的抽象作品，叫“冷抽象”鲍豪斯创立鲍豪斯艺术设计学院，在学校里，工匠与艺术家充分交流，产生了一批新兴的设计产品。他们关注的对象是：“简明”的设计思想，以便企业批量生产；注重“人”去使用工具，如座椅的弧线设计，注重人体工程学；前卫、创造性。以人的适应作为根本，贯彻蒙
23、德里安将艺术品放入民间的思想，注意适用与使用者的思想。当普通人都在使用时即为流行开了。 “和谐”首先是“合理”真正的工业设计是自鲍豪斯开始（我国明清简明家具）抽象表现主义-罗斯苛色彩叠加中，把色彩发挥到极致，用何手段来装饰作品，仔细处理大小与边缘的关系，是介于表现与抽象之间的一个模糊的边缘，把自己留在画面上构成画面的一部分-行为艺术。莫兰蒂的画都是有对象的，但在模糊对象来有意用“块”表达，尊重块的形状与大小。轮廓与黑白灰是什么？形象仅是一个简单的参与物，通过形状把握内在的标准，所有形状不都是主动的，是受画家抽象改变的。罗斯苛也被称为“洋八大” ，自此，模糊化成为一种艺术主流。把生活哲学推向高峰
24、的是莫兰蒂，卡纳解释了空间，莫兰蒂解释了抽象。 、第六讲 变革时期3.27资本主义艺术活动很大程度上与变革有关，不仅形成了当代艺术的标杆，还不断产生新的艺术形式，艺术界杰出的人物的创作也是前仆后继。现代主义的古典分支-建筑蒙特里安式的古典主义风格：画面复杂，仅使用了现代元素，嵌入了唯美线条的造型。体现了对资本主义新需求的改革。运用了资本主义抽象中的分割，对画面进行更新化处理。1、克里姆特 他所使用的空间都是现代可见风格，装饰题材都来自传统。其作品题材都来自古典题材，装饰细致，繁复。仅是纹样、手法是现代的（如眼睛、螺旋纹、方格等几何纹饰）都是极为复杂的装饰手段。他的整体风格未脱离古典风格，是古典
25、风格的延续，革新极为有限。古典主义带来的华丽风格，再加上当时资本主义现代元素，成为装饰艺术的主流，很快达到顶峰便夭折了，使空间色彩的分布出现在现代建筑物上。2、高迪 （西班牙建筑师）高尔迪作品体现的是完全个人化建筑，题材虽然传统，但改造手段是个人化的，他的建筑作品似乎是在玩的玩具。 “如果要求变更，资本主义是自由的，那我就需要找我个人的自由”高迪的建筑作品曲线很平滑（犹如哈利波特世界） ，没有建筑的规范与规则，都是自由发挥。如神圣家族大教堂是经过上百年工期至今未完工的石质教堂。是运用了传统的材料与手法加上现代个人化的装饰性作品。克里姆特与高迪相比，克里姆特运用的线条是完美流畅的曲线；画面空间分
26、割（划分） ；点、块的细腻装饰性。而高迪也喜欢用自由流畅的曲线，它可以把任何直线都改为曲线，类似魔幻宫殿。如屋顶可以是流畅曲线的小雕塑或陶瓷镶嵌画。如在神圣家族大教堂里的窗户一改传统的圣经题材，而采用彩色玻璃贴花，是对传统的一个颠覆。人物雕塑又使用大量的直线方块构成。高迪提出了自由装饰，在“想”的过程中逐步完善。高迪受抽象绘画影响以及立体派拼贴技艺启发，又吸收了很多现代抽象派元素。高迪认为现代艺术应按照作者只有选择进行而不是社会对象进行，同时应保留曲线唯美的关系。可见他并未背叛传统。他的建筑作品不同于艺术上任何人，他把现代主义的古典装饰推向极致，在他之后再没有人能如此花上百年时间来完成一个建筑
27、作品。高迪的窘境：耗资巨大、建筑繁琐、工期长。柯布西耶柯布西耶提出了许多自己的建筑见解：他认为地面是人们交流的场所，不提倡完全占用地面，以免减少空间感，应将地面解放出来。故而他的建筑作品都预留有大量的地面空间。如何解放空间？柯布西耶的作品空间延伸性大，空间占有少，不仅是解放实有空间，还是解放虚有空间。如家具等若非必须则就是多余，室内空间应简化。自由平面与立面。其建筑不做任何装饰交给居住的人，把空间尽量放开。小隔间会限制人对空间的利用，不应让人去感受限制，不如去解放活动空间。 （现西方多）机械建筑。 所有建筑都是劳动人民用劳动挣来的，不允许浪费，没有多余的功能。他从人体工程学考虑，设计了不同的空
28、间要求，如厨房高为 2 米、卧室高 1.8 米。使 40 平米面积的房子可以享受 80 平米的空间。住房是特殊功能性的空间单元，可以把每个模块房子都先装修好后再移到大建筑上安装成为一栋房子。如“马赛公寓” （也叫青年公寓） 。满足了大工业生产，节省了周期。这个设计理念很快被大型单位接受，创造了大量的公寓。基于适用的压力，房屋楼高逐步退到 2.83.3 米。再如“朗香大教堂” ，去掉了标志性的“十字架” ，仅是高大建筑，且去掉了尖顶，入口和上帝都被安排到夹缝里。他把直线建筑的功能放到最大。环境决定建筑。青城山个案分析：土多，不宜修大水池，以防滑坡=把土都挖走。“朗香大教堂”设计有各式的直斜线窗子
29、，从室内看，如同上帝之光。屋顶花园。既然占用了土地，就应该把地面移到屋顶。当建筑发展到水泥材料时，屋顶花园建筑成为可能。 （最早的屋顶花园是古巴比伦的“空中花园” ）可见，高迪作为只有建筑师，代表了一个建筑方式的终结，而柯布西耶则是开创一个个推广的建筑方式，影响到现代的空间建筑。柯布西耶认为：建筑应是社会性建筑，需要符合当时社会的生产条件和社会需求。应赋予建筑自由性（有限的） 。提出了自然环境与建筑的关系。柯布西耶的创新还在窗户上-大而长的全景窗户，使采光度更加舒适。二、绘画方面1、萨尔瓦多. 达利。代表作有“从圣徒” “美丽的妇人” “永恒的时间” 等。作品中多次出现他的夫人塞拉。达利似乎是
30、永远沉睡在童年世界的梦境中，作品中留下了很多童年时代的阴影。其创作动力都来自于精神、意象，而非现实，他认为创作完全可以脱离现实，形成- 超现实主义艺术。塞拉将达利的作品直接放入商业环境中，导致了艺术的商品化或叫艺术的商业化。而且还做出了商品的产业链。 “达利牌商品”由此引发了什么是艺术品？什么是工艺品？的疑问，塞拉首先模糊了艺术品与工艺品的界限，其次是模糊了商品和艺术品。由此开始了艺术品以商业定价的起点，不再以个人喜好来定价，可达明码实价。艺术家也不再独立于社会之外的独立空间，是站在社会中肩负社会性责任。第七讲 当代艺术思潮史 -4.9从今天起讲课的难度增加，进入当代艺术思潮史部分，不要求大家
31、都能听懂，但需要了解在当代艺术史中的哪些人，做过哪些事即可，不需要理解这些人。在当代，社会关系受到战争的影响很大，不可能再产生与社会分离的塞尚，艺术与社会倾向是互相影响的，这让我们明白艺术家为何去那样做。艺术对社会的改造（19101945 年）在经历了一战和二战，夹在两次战争之间的是多年间，艺术家创造的一切都被社会政治无情摧毁，艺术家们显得彷徨而无赖。要建设时尚、审美趋向都可以塑造，但艺术家无法塑造战争，这催生了一个重要的流派出现-“达达主义”：他们站在社会政治的对立面去审视它。对于战争、社会背、政治的无赖，从时代背景上来理解艺术更容易。从流派名称上也足见其艺术的诡异性，在斯拉夫语中“达达”是
32、“的”意思，在法语中是“喜好”之意。其实它是在咖啡馆中的取名，不具严肃意义。达达主义认为：社会出了问题，我们要对他进行改变，首先是现存社会制度进行破坏和批判。使用“批判”认为是太心慈手软，更多的是使用“破坏”-是体现在艺术上即意思层面的破坏，而非社会秩序的破坏。达达主义仅在高级知识分子层面产生过一定影响，在普通老百姓层面影响较小。艺术家不能破坏社会机制，只能破坏一些社会风气、习性，如语言、文字、思维习惯、规则等。达达主义完全不考虑是否合乎语言习惯与社会的接受程度，置身于一个极具斗争的小环境中，他说破坏的主要是艺术形式、规则、习惯。除达达主义外，另一批艺术家在回避社会现实，与社会保持一定的距离，
33、对艺术进行梳理，而非批判。在他们的作品中不加入任何与社会相关的内容。如马科洛特的玻璃画，它破坏了我们的思维习惯，在回避社会现实的基础上，以唯美的思维方式完成了一个非逻辑的绘画。给裸女以盖棺定论（变形的棺材） ，属无奈的发言-美丽的东西在战争中成为了棺材，美丽被摧毁了。马在森林题材作品中急于想改变普通民众的逻辑思维习惯。这类含蓄的作品需要人们去反复品味方能得出画中隐喻、含蓄的手法使用，以及对战争的直观反映。二、传统的艺术形式1、简单分为素描、色彩、构成、艺术观念。其中，素描、色彩属于艺术基础，素描重在造型、绘画能力。色彩主要是绘画色彩、色调之间的关系。构成是解决画面的大小、明暗等组织问题。而艺术
34、观念在国内一直是欠缺的，常以艺术史论代替，但史论到观念还有一个过程。2、几个主要的艺术形式：油画、版画与雕塑 属于西方传统的艺术形式，随着颜料的增多与纸张的廉价普及，出现了“水彩” 。国内无水粉，被称为不透明水粉，但对用粉的比例是有严格控制的。丙烯是比较现代的绘画材料，再如蛋彩。“建筑”是独立的一块，如毕加索、米开朗基罗本身就是建筑师，他们是集工匠、画家等多种身份于一身，如达芬奇也是以建筑师著称。我们前面讲的多种艺术形式都未脱离传统的艺术形式。当代艺术的背叛是创立了新的艺术形式，改变了几种沉闷的传统艺术形式，开发了新的艺术形式。这门课学习的要求：听懂-背-了解。距今 100 年内的事，我们不能
35、说不了解，无论大家今后是做公司的艺术管理还是展场设计，不了解这些老的艺术现象会造成较大的偏差，我们通过这门课的学习，要大家看过这些艺术形式后有所印象，不一定会理解。3、传统的艺术形式确立后，许多艺术家都试图去打破这些形式，如毕加索的“公牛”拼接画、粘贴艺术、活动雕塑。打破了呆板、静止的艺术形式和原有的规则，使艺术走向革新。如贾科梅蒂，画中出现了勺子型女性，创新了艺术的形式，使大量使用“现成品”成为一种习惯（由工业生产出的成品即工业产品） 。从艺术的材料来讲，雕塑与勺子之间无太大差别，现成品即为社会的缩影或代名词。在艺术家眼里，重构现成品，改变其原有使用功能就是重构社会。不管是工人、知识分子还是
36、高官，都是用现成品，从这可程度来说人人是等同的。贾科梅蒂在这一思潮中追求不断改变的艺术家，他不再直面社会，在他回避的同时，缔造了自我的生活空间，他看到了艺术，也看到了它的弱小，犹如被社会压缩的干瘪的“人” 。由于达达主义破坏规则，使语言也支离破碎。如诗歌不再表达含义，成为纯粹的神声韵，而不考虑含义。成为了非意性，紊乱不堪的诗歌，只能从韵律上去感受，不能体会其含义。如“等待戈多” 。使“无意义”变得有趣，原来人有很多事是无意义的，人们变得比任何时候更加重视自己的身体感受。贾科梅蒂的雕塑中一个枯干的人在行走，犹如丧家之犬，无具体含义，作者也是不为意义而雕。是为自己塑造去做，有的雕塑甚至还留下有自己
37、的指纹。这时期他创作了大量单纯的雕塑作品。再如考尔德，他把图简化为线或几何图形。在雕塑中的无意义是面对社会的“无意义”一个答案。汤勺是批判或表达，而干枯的人是回避社会的一个表达。达达主义对社会的清晰表达成为现当代艺术界的一个表达形式。马塞尔。杜尚及其意义在中世纪无艺术家之称，搞艺术的多为官商，以画为生的多为工匠，杜尚出生于公证员的家庭，为他塑造多种艺术情趣作为后盾，他的男扮女装自画像刊登在大大艺术封面上，他有自己的人生规则与方案，塑造了高傲的人性品质，他可以花若干年去做与艺术毫无关系的事情。杜尚走了一个与众不同的路子，他出生印象派已大行其道。他的作品“下楼的女人”解构了一连串下楼的动作，含有未
38、来派的内容。在被立体派拒绝参展后，并保留下来自己的形式，在接触达达主义后，尤其是为了破坏而破坏的破坏主义后。认为达达主义过于激进，且多纷争混乱。如“会动的车轮”迎合了雕塑中能动的现成品。在具体内容上杜尚还是很叛逆，如塑造星状头型，最早给达芬奇的蒙娜丽莎画小胡子， “LHOOQ”招贴成为社会宣传推广的标志。杜尚的“泉”直接使用企业产品的小便器，在边缘签名（R.M.OTT） 。因没用对工业现成品做丝毫改造，屡次参展被拒。当杜尚到美国这个缺少艺术与文化的国度后背奉为大师，他也开始调侃别人的崇拜，再次将“泉”送交大都会博物馆参展，这件连签名都是杜撰，在运送过程中被工人弄丢后替补的毫无真实性可言的纯赝品
39、被大都会博物馆以 50 万美元的天价收藏，在艺术界掀起大波。造成欧洲大量的艺术家都流到美国。使美国这个经一站后新兴而文化落后的国家予以文化艺术的包容性很快将当时的艺术中心由欧洲转移到美国（对比 70 年代的日本花 2000 亿美元大肆收购欧洲艺术品，也没有将艺术中心得以转移到日本，仅是抬高了艺术市场价格。原因是他当时收购的艺术品都是当时已经成名的艺术家作品，而非先锋艺术） 。杜尚的泉成为当时价格最高的艺术品，甚至已经超越了毕加索的作品。造成了俄国、日本的大量设计师也到美国去谋生，成就了美国的文化复兴。19 世纪 60 年代，美国正式替代法国，成为世界艺术中心。可见，大都会博物馆对杜尚作品的高价
40、收购实属可改朝换代的睿智之举。提问：1、艺术家到底该做什么？是完成一个精细的工艺还是赋予作品以意义？艺术家的艺术创作中的位置是什么？什么是艺术家？怎样看待艺术家及其在生活中的意义？杜尚的社会意义：现成品是否具有艺术性？杜尚是否只是用签名即改变了现成品的意义？还是现成品存放场所的改变（厕所-展厅） ，因人类文明的标志-博物馆，而使现成品的意义获得了巨大改变？导致改变的原因是艺术家的行为。艺术家对作品的自我定义成为艺术品的前提，这里的杜尚是把个人能力放大了，将艺术品扩大到更广阔的疆界。艺术与艺术品的民主化：一个普通的艺术品可以与“蒙娜丽莎”等世界名画放在一个展厅参展让每个人都有机会把作品放入展厅展
41、出，杜尚给予了艺术品更大的空间。也给普通人与文化塔尖群体站在同一层面同台竞技，成为相互参展的群体。许多平民的作品进入展厅，展示了社会的包容性，同时把作品是否是艺术品交由社会来确认而非某些少数人说了算。概念艺术的先导-装置艺术的出现。杜尚的作品大多是能动的，带来了新的艺术形式-互动艺术的产生。杜尚也因此成为现代艺术之父，在艺术上具有划时代的意义。艺术家只要赋予了现成品以艺术性，使其成为艺术品。其次，现成品本身已具备基础的艺术性。现在的艺术品我们无法从表现去观察它，只有从时间表象去理解它。第 8 讲 艺术中心的转移 4.7艺术中心转移到美国的重要原因一战和二战使欧洲成为战场，使欧洲经济、社会遭到重
42、创，导致了艺术中心的转移。在欧洲长达 10 余年的艺术地区复兴运动使经济低谷，无法再维持这些艺术家的基本生活和艺术活动的开展，迫使艺术家去寻找新的出口-新的世界贸易大国美国。美国作为新兴的经济体，采取对艺术的包容心，接纳了众多来美的艺术家，也有大量的资金来资助艺术活动。美国经济也刚复苏，在接纳众多艺术家的同时也要求艺术家要树立新的形象，艺术家到美国后创立的作品应与外国有所不同，即艺术家必须反映地方特征。为美国这个新兴经济体服务，不能再按照艺术家们再按照欧洲的取向创作。欧洲有自己的艺术传统，而美国立国的时间很短，只有近 200 年的时间（还包括被殖民的时间段） ，难以产生“原生文化”即地方文化。
43、只能产生底层平民的西部牛仔文化。而欧洲有各社会阶层，存在贵族和贵族精英。从欧洲的艺术革命来看，主要是反对由贵族设定的原有艺术评判标准。而美国将评判标准淡化，采取包容的手段来接替欧洲的艺术评判标准。使欧洲文化一到美国即产生了变异，美国把一切文化皆纳入其体系，而不做评判。故美国的艺术革命，在很大程度上是平民观念的革命。对比我们中国现在同样作为新兴经济体，与美国的当年有许多相似性。在经济上产生作用，应在文化上也产生促进手段，中国在此次的变革中能否从美国变革的历史中学到什么？美国成为犹太人的第二祖国，也是华人集聚最多的第二国家，在文化上给予通道，使金融中心在文化迁移的过程中也得到迁移至美国，美国也为世
44、界所容纳。曼哈顿成为阿拉伯的第二金融中心。这也是美国在 70-90 年代的快速增长期。 中国在历史上也曾有过文化包容的时代-唐朝。“一个经济的产生是否需要文化做相应的姿态？”包容也是给予批判方以机会，如杜尚，尽管他一直在诅咒美国的艺术制度，美国也给予他机会。相对应的日本是提供资金，而国内的强势文化没有提供艺术家展示的舞台，没有得到艺术中心的转移。没有文化的铺垫，经济的复兴也只是昙花一现。美国艺术的主流人群最开始是一、二代移民，在艺术表现上具有浓厚的原著民文化，如印象派后期的作品。美国艺术总舵-惠斯勒惠斯勒在欧洲有一定知名度，他很长时间并不住在美国，其作品大多是表现了欧洲风貌，如作品“母亲”带有
45、很强的怀念性主题。美国艺术先期很混乱，有介于实验艺术实践艺术的各种艺术尝试。涵盖了欧洲艺术的倾向，但未找到自己的主题方向。军械库展览成为重要的启蒙运动，各种风格的艺术集中展示。沙恩等重要的日本艺术家沙恩的作品“萨科与万泽蒂事件”带有阶级性，代表了二次大革命，对法官、律师、检察官进行了批判。霍珀的作品带有孤独情调，表现了痛苦的呐喊。新移民带来了各种文化风格与元素，简化的民主表述。如野口勇的标志性雕塑尹大特拉 。莱特，建筑作品中的装饰性被材料所代替，更加的简明。 “古根海博物馆”是自然采光式的螺旋形坡道走廊建筑。沙恩与霍伯很好的表现了美国艺术的特点，尤其是霍伯的作品讲述了大工业时代美国人的状态。美
46、国人崇尚歌剧，但不了解歌剧，喜欢的是平民化的马戏。美国人的生活状态是生活优越，没事干，精神空虚，这为电影在美国的发展创造了条件。设计不靠绘画技艺，而靠创意，用好创意比拥有好技艺强。如悉尼歌剧院的设计灵感来源于早餐的鸡蛋壳。红石壁-澳大利亚自然标志。大谷位夫：“国际会议大楼”由众多的三角形组成，构思来源于草垛。摩天大楼由毫无美感的方格组成的建筑。美国建筑没有体现在美学上，很大程度是在提高了建筑的结构性。贝聿明-华人建筑设计师，卢浮宫玻璃金字塔、北京香山饭店的设计者。美国建筑的特点：巨大的草坪、巨大的空间与简约的设计，体现美国人生活的优越性。甚至出现了非功能性建筑。美国绘画- 抽象表现主义霍夫曼
47、他推动了美国文化特征的画作，是介于冷抽象与表现主义之间的一个画家。德库宁 在表现主义中独特的一位。敢于去表现（只要有颜料和激情都可以去表现） ，其画作具有表现主义的重要特征：自由、非技巧、激情。波洛克 在德库宁的基础上更有突出表现。如非技巧性表现得更充分。他把欧洲所尊崇的东西、甚至连激情都去掉，只让某东西产生，从而塑造新兴事物：“偶然” 。画作中无成形的图像，是画作过程中产生的“飞溅” 。在美国的画作因非技巧与偶然画作达到新高峰，从而表现出美国与其他国家不同的艺术，产生不同的艺术社会影响力。非技巧体现了艺术的平民化。美国的艺术民主：是有自己创造新兴艺术的可能性就不能束缚对方。美国的艺术活动都是
48、国家支助，推动艺术家进入一个高端的艺术层面。由国家力量推动的艺术风潮形成社会主流艺术。文化包含的目的是推动经济的发展。如“M”符号， “肯老头像”都是由国家推动进入世界艺术市场的，人们只有先接受其文化，其次才是接受其产品。如七八十年代，代表美国汽车业的汽车启动轰鸣声，虽然其发动机技术落后于欧洲，但以人为本，其宽体量车型很快在欧洲流行开来。追求未来化，摆脱了欧洲对其束缚。如 80 年代的汽车轰鸣发动声-披头士-猫王-摇滚。一种文化的产生，需要对等的文化与之交流。我们反思中国的文化，无法为经济的出行做出贡献，我们出口的都是廉价的商品，是因为没有把文化装进去，使得附加值不高。造成了文化反锁的势头。第
49、九讲 美国“波普”艺术4.24能代表美国形象的东西：名人、科技、漫画、工业产品、快餐等。美国的策略是看到一大推的元素就知道美国。反思我国目前虽然国家经济在高速发展，居然没有一件现代元素可以代表国家形象。 “山寨”是一种耻辱。波洛克表现主义源于欧洲，推动美国战略地位提升的也是欧洲移民，而美国的艺术不等同于欧洲。具有非技术性、平民化以及不雷同的突破性。美国艺术的一个重要特征：霓虹灯应用最多，照亮了一个重要的标志-pop。广告、招贴都是其产品，在中国译成“波普” ，即平民化的广告。为何美国会选择广告作为向外推出的方式？实质是推销其产品和文化。此期的整个美国艺术都是在为美国做广告，同时，也有艺术品内在的原因：印刷、复制、拼接手段的大量运用，是“波普艺术”的重要手段。这预示着艺术家无需面对画板去画，这也还是我们做广告的方式。艺术家不再是艺术制作人，而是艺术策划人。制作流程与受众者来看都是普通百姓。艺术内容也是平民所熟知的一些内容，所以它讲平面讲得很深入。安迪. 沃
